DE FESTIVAL A FESTIVAL

Fechas: Del 15 de octubre al 1 de noviembre 2020.
Horarios: Jueves de 18.30 a 22h
Viernes de 17.30h a 24h
Sábado de 16.30h a 23h
Domingo de 17.30 a 21h
Lugar: Cinema Edison

Los Festivales y centros colaboradores del Panoràmic fan una propuesta para conocer proyectos vinculados a su programación que acercan el público al concepto de Extimidad desde diferentes puntos de vista.

GIOVANE FOTOGRAFIA ITALIANA #08

Una coproducción con el Comune di Reggio Emilia, Giovane Fotografía Italiana #08, como parte del programa «Sinergie» cofinanciado por la Presidenza del Consiglio dei Ministri y Anci, Associazione Nazionale dei Municipi Italiani.

LIQUIDO 

El agua sueña consigo misma. El concepto de identidad, como la realidad misma, se ha multiplicado, se ha expandido, abriendo espacio para un mundo no claramente definido, donde la fijeza se reemplaza por una variedad de formas posibles. Todo puede ser construido y deconstruido a nuestro gusto, pero la otra cara de esto es una sociedad cada vez más individualista donde los lazos sociales se están volviendo cada vez más líquidos e inestables. En el mundo occidental contemporáneo, la sociedad se está volviendo cada vez más frágil: el individuo, distante de los demás, queda libre para afirmarse pero carece de puntos de referencia para usar como guía o identificarse. Por lo tanto, el individuo es líquido, puede reafirmarse continuamente según sus caprichos y fantasías. Pero en ausencia de la capacidad de encuentra su propia forma, esta individualidad asume la forma del «destinatario» que lo contiene momentáneamente. Es, entonces, una individualidad en mutación constante, capaz de encontrarse a sí misma. en cualquier lugar, pero nunca permanecer en un lugar por mucho tiempo.

DOMENICO CAMARDA

Domenico Camarda [La Spezia, Italia, 1990] estudió comunicaciones en la Universidad de Bolonia y fotografía y visual diseño en la NABA de Milan – Nueva Academia de las Artes.
En otoño de 2014, se mudó a Lisboa, donde empezó a trabajar para el editor Pierre Von Kleist Editions y lo Pedro Galería Alfacinha. Esta experiencia le dio la oportunidad de desarrollar su interés por la fotografía de autor y la publicación de arte. En 2015 se mudó en Londres para trabajar para el fotógrafo Amelia Troubridge como su asistente, editando sus publicaciones más recientes. Actualmente vive en Turín, donde trabaja como freelance. La practica artística de Camarda explora temas como la construcción de la identidad, reflexionando sobre el que significa ser contemporáneo en el mundo de hoy. Creando una serie de sueños evocadores, e imágenes, Camarda busca plantear preguntas y provocar contemplación en lugar de dar respuestas. Su trabajo ha sido exhibido a nivel nacional e internacional.

domenicocamarda.com

NOWHERE NEAR

El final de un viaje a un destino desconocido, que ellos imaginaron como un castillo hecho de nubes, pero que desaparece en el aire a la llegada. Cuando este sueño se desvanece, ¿qué queda? ¿Dónde puede alguien que está perdido encontrar respuestas? ¿Dónde pueden encontrar instrucciones para llevarlos a casa? Visiones, sugerencias de un viaje interestelar. Como las estrellas que se mueven a velocidad supersónica, expulsado del encuentro entre dos negros agujeros a tal velocidad que alcanzan distancias increíbles, estrellas mensajeras que traen vida más allá de los límites de sus galaxias. Quería recrear el imaginario de las personas que deciden irse de sus hogares y seguir sus sueños moviéndose físicamente desde un lugar a otro, superando barreras en una lucha por alcanzar su «El Dorado». He descubierto que el sueño que persiguen estas personas no siempre es solo el deseo de un futuro mejor: a veces también se convierte en una pesadilla, que aparece cuando el sueño se vuelve irrealizable y permanece algo que nunca se puede alcanzar. No todas las historias de los migrantes pertenecen a este proyecto; Es una especie de viaje imaginario, un intento de ver el mundo a través de sus ojos, contando una historia sobre migración personal, no solo un movimiento de masas.

ALISA MARTYNOVA

Después de terminar una licenciatura en filología en su ciudad natal, Alisa Martynova [Orenburg, Rusia, 1994] continuó para comenzar su licenciatura en fotografía profesional en la Fondazione Studio Marangoni en Florencia en 2016. Junto a sus estudios, Martynova actualmente trabaja como fotógrafo independiente y como asistente del Riverboom Fotografía colectiva. En 2018 expuso en el Leica Story, y en 2019 ganó el primer premio en fotografía sección del Premio Combat y el segundo premio en el Canon Premio Jóvenes Fotógrafos y trabajo presentado en la inauguración del festival Les Rencontres d’Arles. En Otoño de 2019 fue finalista en el Premio Photolux y en El museo de PH Mujeres Fotógrafos Grant. Martynova vive y trabaja en Florencia.

alisamartynova.com

THE CREATION OF THE WORLD IS AN ORDINARY DAY

La creación de la mundo es un día ordinario es una pieza fotográfica que comenzó en Estonia y tomó forma concreta como una serie de postales artísticas. Inspirado a una antigua historia báltica, se basa en el reensamblaje de fragmentos semánticos cuya historia cosmogónica se relaciona con la pequeña santidad de los objetos cotidianos, evocando ese misterio de la naturaleza del tiempo y cultura que ha fascinado al hombre desde la antigüedad. Creado en un contexto de alteridad, The Creation analiza prácticas de intercambio e interacción recíproca entre diferentes sujetos y perspectivas culturales. Una historia no nace de un solo lugar, puede viajar de persona a persona, de un idioma a otro. El mundo es un contenedor de historias que están en recreación constante, y el proyecto fotográfico es el intermediario para la formulación de una nueva historia multicultural y colectiva, libre de barreras del idioma o cualquier barrera de forma y contenido.

ELENA ZOTTOLA

Después de terminar una licenciatura en arte en el Instituto Paolo Toschi de Arte en Parma, Elena Zottola [Maratea, Italia, 1995] se mudó a Nápoles, donde se graduó en antropología de patrimonio. En 2018 tuvo la oportunidad de estudiar en el extranjero en el departamento de fotografía y artes contemporáneas de la Academia de Artes de Estonia en Tallin, que le permitió combinar su formación universitaria con su pasión por fotografía. Aquí creó la ópera La creación del mundo es un día ordinario, bajo La supervisión de Camille Laurelli como parte del Rivista proyecto. En 2019 regresó a Nápoles y actualmente estudia en el Centro di Fotografia Indipendente. En colaboración con en el centro ha creado su segunda serie fotográfica titulado Prosféro que ha atraído mucha atención. Zottola continúa sus estudios de posgrado en antropología con la intención de poder usar estudio académico para enriquecer el contenido de su fotografía práctica.

elenazottola.net

BELGRADE PHOTO MONTH – NEW TALENTS 2020
UNITED

El amor no se trata de género, etnia, raza o religión, pero el amor debe definirse por su belleza y poder para transgredir todos los estigmas sociales. Si es lo suficientemente fuerte, te ayudará a ganar confianza, valentía, conciencia y amor propio. Son nuestras diferencias las que nos unen, nos unen, nos enseñan cómo crecer como seres humanos que aprenden constantemente y, por lo tanto, nos unen. La interpretación siempre depende del espectador, pero el mensaje central de este proyecto sigue siendo el mismo. Jugando con la simplicidad del fondo mezclado con poses fuertes y parejas reales seguras, las parejas mixtas ayudaron a crear esa declaración de amor valiente. El fuerte vínculo entre dos parejas en una pareja se muestra a través de ropa complementaria: una chaqueta similar pero de un color diferente, un pantalón sin parte superior junto a una parte superior sin pantalones, o el mismo color de ropa para ambos. 

DYLAN PERLOT

Nacido el 2 de enero de 1995 en Francia, Dylan dejó su ciudad natal después de la escuela secundaria para perseguir sus sueños de cine y fotografía de moda al llegar a Los Ángeles, CA. Después de graduarse de la Escuela de Cine de Los Ángeles, comenzó a trabajar a tiempo completo como fotógrafo y cineasta. Su trabajo de fotografía de moda ha sido publicado en numerosas revistas como: Vogue Italia, Cosmopolitan, L’Officiel, V Magazine, Numéro, Gay Times, Nylon, Schön! Además, su primer cortometraje experimental de moda, «Life», recibió reconocimiento mundial con premios en diferentes países, y su trabajo de dirección de videos musicales se estrenó en Time y DuJour, por ejemplo. Crear siempre ha sido una pasión para él, y combinar muchos elementos como: personas, moda y lugares son su mejor manera de contar historias únicas. Su inspiración proviene de diferentes tipos de artes mezcladas con los recuerdos de la infancia en Europa y la nueva cultura de la vida en Estados Unidos.

dylanperlot.com

HAND’S

Hoy en día, los medios y la sociedad se niegan a aceptar una gran cantidad de contenido explícito porque a menudo la gente lo impone como algo absurdo e inapropiado. Incluso aquellos que no piensan de la misma manera pueden ser fácilmente intimidados por el cuerpo social que vota en contra de este tipo de contenido, como si incitara o diera un mensaje equivocado, especialmente cuando se trata del cuerpo desnudo y natural de los seres humanos, lo cual es absurdo viniendo de algo que es la esencia humana. Dado que tenemos libre albedrío, todos tenemos un cuerpo y debe ser respetado y admirado, independientemente de su forma física. The Hand’s Project tiene como objetivo hacer una crítica social de esta censura, implementando una combinación de fotografía, desnudo y sensualidad. Las imágenes producidas tienen como objetivo confrontar y al mismo tiempo provocar, con las manos representando la censura y la sensualidad «natural». La provocación es el apoyo de este proyecto para intimidar a las personas que niegan este hecho y esta realidad que nunca cambiará.

GABRIEL SANTANA

Gabriel Santana nació en Carapucuíba, Sao Paulo, Brasil en el 1996. El interés de Santana en la fotografía surgió cuando ganó su primera cámara digital en 2010. Es a través de sus obras y dibujos del autor que encuentra su libertad de creación, dando vida a esos simples contornos. ¡Desde pequeño siempre me ha gustado el arte! Principalmente dibujando, amaba dibujar! Incluso después de la fotografía, no dejé de aprovechar mi talento, cada vez que surgía una nueva idea, en lugar de escribirla, la dibujaba. 

FIX ME

Somos muy críticos cuando se trata de (nuestra) apariencia. Parece que nos sentimos obligados a seguir ciertos estándares de belleza, que en su mayor parte son inalcanzables. ¿Alguna vez te has preguntado cómo te verías si algo en tu cara fuera diferente, tal vez la nariz o los labios? ¿Qué tal si te doy la oportunidad de verlo? Todo lo que te molesta sobre tu apariencia cambia completamente según tus preferencias. Haré realidad tus deseos en tu retrato de collage. 

IZA ŠTRUMBELJ OBLAK

Mi nombre es Iza Štrumbelj Oblak. Actualmente, soy un estudiante que vive en Medvode, Eslovenia. Desde niña sabía que quería ser artista, al principio más orientada tradicionalmente como pintora o escultora, pero durante mi asistencia a la Escuela Secundaria de Diseño y Fotografía en Ljubljana, descubrí mi verdadera pasión: la fotografía. Actualmente estoy educando en la clase magistral y talleres de la VII Academia. 

UNFULFILLED

Mi socialización como mujer comenzó con el color rosa. A mamá le encantaba tanto este color que podía vestirme de arriba a abajo con ropa de tonos rosados. También quería que me pusiera vestidos y faldas, que les sonriera a todos y que me sintiera cómoda. De niña traté de cumplir sus expectativas para ganarme el amor. Mamá se fue hace tres años. Ahora el rosa se ha convertido para mí como una guía para el mundo de mi madre, me ayuda a soportar el anhelo de una intimidad no satisfecha más fácil. Analizo nuestras relacione a través de este color, creo esa conexión profunda e intimidad, que en realidad no sucedió.

LUBOV RAKSHIN

Nacida en el 1996 en Samara, estudió en la escuela de fotografía de Kristina Syrchikova en la Galería Victoria.Trabaja proyectos sobre las experiencias internas de la persona, historias familiares y proyectos feministas. Vive en Samara.

2091: THE MINISTRY OF PRIVACY

La serie «2091: El Ministerio de Privacidad» está explorando el mecanismo de las tecnologías de reconocimiento facial utilizadas por el gobierno chino para monitorear y oprimir a los habitantes de la región de Xinjiang. Para hacerlo, trabajé con un ingeniero informático francés, William Attache, que me ayudó a desarrollar e instalar software de reconocimiento facial en mi computadora. El software que desarrollamos está muy cerca de los utilizados por el gobierno chino en la región para rastrear a sus habitantes. Más tarde, viajé a Kachgar, uno de los últimos bastiones de la cultura uigur en Xinjiang, y probablemente la ciudad más vigilada de la región, donde fotografié la vida cotidiana de los habitantes. Una vez en mi habitación de hotel, cargué las imágenes dentro del software de reconocimiento facial y esperé a que los sistemas operativos reconocieran la información facial de las personas que aparecían en mis fotografías. Después de reconocerlo, el software dibujó la información facial biométrica respectiva directamente en los rostros de las personas que aparecen en las fotografías, lo que nos permitió finalmente ver el reconocimiento facial. A través de este proceso creativo, «El Ministerio de Privacidad» revela la intrusión y la peligrosidad de esta tecnología invisible, mientras documenta y rinde homenaje a los últimos restos de la cultura vibrante de estas comunidades antes de su desaparición planificada.

MAXIME MATTHYS

Maxime Matthys (1995, Bélgica) es un artista visual que trabaja y vive entre Rennes y París. Está desarrollando una práctica artística utilizando principalmente fotografía, performance, videografía e instalación. Su trabajo se centra en la forma en que las tecnologías están afectando nuestra vida diaria y están cambiando nuestra percepción de la realidad. Mientras explora  importantes que están dando forma a nuestro futuro. Su trabajo ha sido galardonado y exhibido en Francia, Canadá, Lituania, Polonia, Malasia, Corea, Reino Unido, Indonesia, España y publicado en varias revistas y periódicos como Le Monde, Libération, Fisheye Magazine, Polka Magazine, Médiapart, ArtInfo. Su obra más reciente 2091: El Ministerio de Privacidad ha ganado el Premio Kaunas Photo en Lituania y se exhibirá en el Centro Pompidou de París, en febrero de 2020.

maximematthys.com

VU, CENTRE DE LA PHOTOGRAPHIE 
LENDEMAIN DE NOCES

Desde 2017, he recopilado y asignado una gran cantidad de fotografías y textos descriptivos sobre el sitio de venta de artículos usados ​​Kijiji en la sección «vestido de novia». Las fotografías y textos de este proyecto se presentan sin retoques ni modificaciones, se encuentran en el sitio. A menudo perturbadoras en su artesanía, las imágenes son tan íntimas como otras revelan el telón de fondo de los vendedores a través de una puesta en escena improvisada y a menudo fuera de contexto. Desde el ajuste del vestido hasta la ceremonia de la boda, surge una dicotomía entre la representación de lo sagrado y el exhibicionista principal de las imágenes. Este desempaque de la intimidad, asociado con las muchas razones que justifican la venta de un vestido de novia, transforma nuestra relación con el estado de la fotografía, entre verdadero y falso, tanto como nuestra relación con el consumo efímero de objetos, incluido el matrimonio.

ANDRÉ BARRETTE

Expuesta en Canadá, Francia, Polonia y Cuba o presentada en forma de publicaciones, la producción de André Barrette vuelve a visitar, con humor penetrante, ciertos temas y manifestaciones de la cultura popular. Esto se evidencia en la serie Les rituels, parcours de chasse (1999) y ALL U CAN EAT (2007-2014), así como en Marx, la danseuse et la coupe Stanley, un libro publicado en 2010 y tomado de una larga correspondencia escrita y fotográfica con el escritor Rémi Ferland (2006-2010). En 2016, Barrette publicó Fin de Siglo, que resume la realidad cubana, la propaganda y los mitos en un trabajo en las fronteras del ensayo, la narrativa y el documental. Desde 2016, ha continuado su investigación con imágenes de la web, incluidos anuncios clasificados. El artista vive en la ciudad de Quebec, donde ha practicado fotografía durante más de treinta años.

barretteandre.com

REFLECTS D’INTÉRIEURS 

Mis observaciones sobre la ciudad se han cristalizado más recientemente en torno al tema del abandono. Inicialmente me acerqué al terreno vago como generador de posiciones alternativas en la ciudad en transformación. Las imágenes de descampados en diferentes ciudades (Barcelona, ​​Buenos Aires, Detroit, Montreal) fueron acompañadas por reflexiones más generales sobre la ocupación del territorio y las responsabilidades compartidas. El período mundial de confinamiento ha acelerado el pensamiento en todas partes sobre el efecto del tiempo parado. En Montreal, desde los primeros días, caminé por mis vecindarios para ver el efecto de los cierres. Ví el polvo acumularse, las plantas desperdiciarse y las calles, abandonadas,  llenarse de grafitis.  Me vi en estos reflejos de escaparates. Se ha convertido en un leitmotiv para documentar lugares con poesía. De los escaparates,  fui a las pantallas, haciendo montajes a partir de imágenes de mis redes sociales y reuniones de videoconferencia. Y luego, con la desconfianza y la llegada del verano, seguí buscando la inscripción de mi imagen en el paisaje.

EVA QUINTAS

Su práctica fotográfica se caracteriza por una apertura a otras disciplinas, principalmente literatura y procesos multimedia, narrativos e interactivos. Desde la década de 1990, ha producido una serie de exposiciones fotográficas, proyectos de arte web, instalaciones de video, así como una ficción fotográfica y literaria creada conjuntamente con Michel Lefebvre para espacios de exhibición, radio, web y CD-ROM. Ha trabajado durante varios años en las ciudades como lugares de expresión. Su producción reciente, un cuerpo de 32 imágenes tomadas de archivos y centros de memoria en las ciudades de Buenos Aires y Córdoba, se publicó en un ensayo sobre la condición de la mujer durante la dictadura militar argentina. (Massoutre G. Nous sommes le soleil, Ed. Varia, Montreal, 2019). Anteriormente, había creado un ensayo fotográfico para tres pantallas de video sobre temas generales de arte, ciudad y ciudadanía (Fusion des horizons, 2016). El proyecto se presentó como una instalación en galerías y proyecciones en espacios públicos en Canadá y Colombia. Es cofundadora de un centro de arte digital de Montreal y presidente de su comité artístico. 

evaquintas.ca

EXTIMITY

El proyecto es un conjunto de fotografías y textos que relata, en distintos capítulos, la enfermedad de covid del padre desde el umbral de su infección hasta el despertar del coma inducido, en la posibilidad del contacto cercano y en la lejanía eventual impuesta por el contexto pandémico. Cada episodio, autónomo, sigue un eje narrativo que es, a su vez, creación de sentido con el medio fotográfico. Esta exploración emerge a partir de diferentes acciones y se desvela en la obtención de imágenes de aspecto diáfano realizadas en espacios oscuros (capítulo 1), en la traducción de fotografías en códigos de texto (capítulo 2), en la ausencia de partes esenciales de la cámara en la producción fotográfica (capítulo 3), en la visibilidad del reverso de una imagen (capítulo 4), en la disolución de autorías a partir de fotografías encontradas o accidentales (capítulo 5). Estas indagaciones surgen como formas de afrontar la distancia o lo irremediable. Manifiestan una tensión en la voluntad de crear nuevas fotografías en un mundo excedido en ellas y el impulso de exponer públicamente la incertidumbre vivida, con la contradictoria urgencia de proteger la intimidad familiar.

LAIA MORETO
Es graduada en Bellas Artes, con premio extraordinario, y se ha formado profesionalmente en fotografía en el IEFC (Instituto de Estudios Fotográficos de Catalunya). Posteriormente recibió el premio extraordinario de máster en Producción e Investigación Artística en la Universitat de Barcelona. Sus fotografías han sido reconocidas y han aparecido en diversos medios y su obra escultórica ha sido incluida en exposiciones nacionales e internacionales, como en Kowasa Gallery, Via 2, Fundación Vila Casas, Visa Pour l ́Image (Perpignan), en el Museo Marítimo de Barcelona, en la Bienal de Arte Contemporáneo de Pamplona, Arts Santa Mònica, El Quadern Robat y en la Fundación Arte por Arte (Buenos Aires), con el apoyo del Institut Ramon Llull, entre otros. Tiene obra fotográfica en fondos de distintas colecciones -Galería Via 2, Caixa Terrassa y Galería Kowasa. También obra escultórica en la Fundació Patrim y en la UNESCO.
COURANTS CORRENTS

Andres Galeano recopila imágenes vernáculas a través de Internet, mercadillos y archivos. Este proyecto es una oportunidad para compartir algunas de las miles de imágenes que lo rodean a diario para ponerlas en diálogo, verlas con nuevos ojos y revivirlas. Está menos interesado en las imágenes en sí mismas que en su futuro, por lo que recurre al discurso reflexivo que pueden despertar.

ANDRÉS GALEANO
Andrés Galeano (Mataró,1980) se licencia en Filosofía en la UB de Barcelona (2003), en Fotografía en la FFS Stuttgart (2006, Alemania) y en Bellas Artes en la KHB Berlín (2012). Su obra es interdisciplinar y abarca medios como la fotografía, el video, la instalación y la performance. Vive en Berlín.
FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA IMAGEN
SOUR LAKE

Inspirada en el nombre de una ciudad petrolera de Texas, Sour Lake fue el nombre dado por la Texaco en los años sesenta a un pequeña ciudad refundida en la selva ecuatoriana, conocida en español como Lago Agrio. En este nombre subyace el entramado desde el cual se elaboró el cortometraje, rodado desde los alrededores de esta ciudad hasta los andes colombianos, donde la vegetación de la selva comienza a fusionarse con las montañas.
Estos emplazamientos geográficos interrelacionados entre sí desde hace siglos están atravesados por numerosas problemáticas económicas, ecológicas, políticas y territoriales que se gestaron desde el siglo XVI, cuando los conquistadores españoles los exploraron en búsqueda de El Dorado. Es a partir de estas confluencias geográficas, sociales e imaginarias que Sour
Lake interroga la relación entre estos territorios y sus habitantes.

ANDRÉS DÁVILA

Realizador audiovisual colombiano. En el 2013 obtuvo un Master en Cine y Estudios Audiovisuales en la Universidad Sorbonne Nouvelle (Francia), donde cursa actualmente estudios de doctorado. Ha colaborado con cineastas, coreógrafos de danza contemporánea y músicos en proyectos de performance y video instalación en Colombia, Ecuador, Francia, Italia y Suiza. Su film Sour Lake (2019) ha sido seleccionado en diferentes festivales nacionales e internacionales de cine y de arte contemporáneo. Desde el 2017 es docente de la Escuela de Cine de la Universidad de las Artes (Ecuador).

NO SOMOS LOS MISMOS

¿Qué es eso a lo que se llama colombianidad? ¿De dónde viene? Un collage de discursos hegemónicos e imágenes malogradas del folclore colombiano, intenta dar una respuesta que revela más rupturas que caminos. A las voces de quienes han ocupado los medios y el poder, se contrapone el silencio del pensamiento crítico y la memoria que ofrecen una respuesta polisémica de identidad. “No somos los mismos” demuestra cómo la historia nacional cambió el devenir de estos pueblos y, aún así, cómo ocupan un territorio multicultural donde difícilmente puede decirse que seamos los mismos.

COLECTIVO ERRATA

Errata es un colectivo formado en 2019 por Andrés Santacruz, Danny Londoño y Mariana Rubio Marín, que vienen del cine documental, las artes visuales y los estudios literarios, respectivamente. El Colectivo Errata ha realizado los cortometrajes No somos los mismos (2019) y Sin medir distancias (2020).

NO LO ENCUENTRO 

¿Quién se es cuando hay ciertos trozos faltantes de una identidad afectada por el olvido? Este es un documental de exploración personal que intenta recorrer lo más profundo (posible) de una memoria fragmentada e incompleta, a través de videos de archivo personal, fotografías de álbumes familiares, conversaciones grabadas, memorias escritas, imágenes recuperadas, sonidos encontrados y sueños; buscando encontrar algo que se ha perdido en la inmensidad de lo no recordado.

MARIANA JIMÉNEZ VÉLEZ 

Egresada de la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Nacional de Colombia. Se ha desempeñado principalmente en los campos del guión, la dirección de documental de ensayo y la realización de video experimental. Participó como asistente de producción y data manager en el cortometraje de ficción Juan (2016), como guionista en el cortometraje de ficción Entre Caminos (2016), como co-directora en el documental Amante(s) (2017), el cual fue seleccionado dentro de la sección no competitiva Panorama Nacional del Festival de Cine Corto de Popayán en 2018, dentro de la selección Cortometraje Nacional Experimental del Festival Universitario de Cine Equinoxio en 2019 y estuvo seleccionado dentro de la Selección oficial del Bogotá Experimental Film Festival / CineAutopsia en 2019. Ha realizado también los videos Rosebud (2017), Escafandra (2017) y Querido Imparable (2018). Su trabajo más reciente es el cortometraje documental No lo encuentro (2020), el cual fue recientemente seleccionado dentro de la categoría Cine (y) Digital del IX Festival Internacional de la Imagen.